miércoles, 2 de enero de 2019

Disney tiene un maravilloso guión de Roger Rabbit 2, pero probablemente nunca lo veremos

Un guión supuestamente maravilloso para Who Framed Roger Rabbit 2 está botado y empolvado en Disney.


Robert Zemeckis es uno de los cineastas más inventivos e imaginativos de nuestro tiempo y, aunque algunos de sus esfuerzos recientes no han dado resultados, no le quita nada a lo que el hombre ha logrado en su larga carrera. Uno de sus logros más importantes es ¿Quién enmarca a Roger Rabbit en 1988? el cual, a pesar de ser muy exitoso, nunca ha tenido una secuela. Pero si Disney quería que sucediera, aparentemente tienen un guión perfectamente bueno allí.

Robert Zemeckis ha estado haciendo las rondas promocionando su última película, Welcome to Marwen . Desafortunadamente, a la película no le ha ido muy bien en la taquilla (por decir lo menos) y los críticos no han sido muy amables con ella. Pero esa es otra historia completamente. Durante una entrevista reciente, se le preguntó a Zemeckis sobre el hecho de que Disney no parece estar interesado en Roger Rabbit 2 y si podría haber un hogar para un proyecto de este tipo en la era de los servicios de transmisión. Esto es lo que tenía que decir al respecto.

"No lo creo. No sé dónde encaja en su universo. No hay una princesa, así que no sé dónde estaría. Hay un maravilloso guión en Disney que es realmente bueno, Pero no creo que esté en su radar ".
Hay mucho que desempaquetar en esa declaración. Claramente, Robert Zemeckis está tomando un pequeño golpe allí con su comentario de princesa . Pero su punto final es que la película no encajaría con lo que el estudio está tratando de hacer en estos días. Por otra parte, Disney tiende a hacer lo que hace dinero y, dado el hecho de que todavía estamos hablando de ¿Quién engañó a Roger Rabbit? 30 años después, ¿no parece una secuela el tipo de cosa que podría hacer algo de dinero?


En cuanto al guión en cuestión, eso plantea otras preguntas. No está claro quién escribió exactamente el guión al que se refiere Robert Zemeckis. Sabemos que en un momento, hace años, JJ Abrams había sido contratado para lanzar sobre Roger Rabbit 2 y estaban en las primeras etapas de desarrollo del proyecto, con algunos guiones gráficos y eso, pero eso es todo lo que se puede hacer. Pero, por lo que sabemos, Abrams nunca presentó un guión completo. En cualquier caso, evidentemente hay una secuela "maravillosa" a la espera de que se realice.

Disney se está preparando para lanzar su propio servicio de transmisión , Disney +, el próximo año. Van a producir películas y programas originales para el servicio para poder competir directamente con Netflix. Si bien Robert Zemeckis no parece optimista sobre la perspectiva, Roger Rabbit 2 podría ser una forma de atraer a algunos suscriptores. Y dado que Zemeckis ha descartado Volver al futuro 4 , probablemente podría encontrar algún tiempo para incluir esto en su agenda, en caso de que la Casa del Ratón viniera a llamar. Lamentablemente, por el momento, esa es una llamada que probablemente no van a hacer. Esta noticia fue reportada por primera vez por Yahoo .

viernes, 28 de diciembre de 2018

Omar Chaparro se une a ‘Men in Black: International’: como un agente mexicano

La nueva versión de Hombres de Negro cuenta con Chris Hemsworth y Tessa Thompson como protagonistas, pero ahora se ha unido el mexicano Omar Chaparro.


Hoy Sony ha lanzado la primera imagen de Omar Chaparro como en agente mexicano en la película ‘Men in Black: International’, la nueva entrega de la popular franquicia que se estrenará el próximo 14 de junio de 2019. Lo más llamativo es que este spin-off cuenta con nuevos protagonistas. Chris Hemsworth y Tessa Thompson lideran el nuevo equipo de los Hombres de Negro, junto a la presencia de veteranos como Liam Neeson y Emma Thompson. 





Si llegaste hasta acá te darás cuenta que es 28 de diciembre y eres una inocente palomita que se dejó engañar

viernes, 21 de diciembre de 2018

Descarga el guión de ROMA de Alfonso Cuarón

Descarga el guión de ROMA de Alfonso Cuarón


Si tienes curiosidad de saber cómo es el guión de le película Roma de Alfonso Cuarón te lo dejamos para que lo conozcas y lo estudies, este es el link
DESCARGA AQUÍ!

viernes, 7 de diciembre de 2018

Los nominados al Grammy 2019 llegaron!


Hagan sus Apuestas, los nominados al Grammy 2019 llegaron, destaca Kendrick Lamar y Drake, el Hip- Hop este año es el amo.


Hoy se dieron a conocer las nominaciones para la entrega 61ª de los Premios Grammy 2019, cabe destacar que dos raperos son los más  nominados en esta ocasión en primer lugar Kendrick Lamar con 8 nominaciones y encargado del soundtrack de la cinta Black Panther, con 7 nominaciones tenemos al Canadiense Drake por su disco Scorpion. Lamar y Drake competirán por el gramófono de oro a mejor álbum del año, en este año el Hip- Hop dominan los Grammy. 

Les dejamos parte de la lista de nominados, lista completa de más de 80 candidaturas lo puedes encontrar en www.grammy.com

Mejor álbum de R&B

"Sex & Cigarettes," Toni Braxton
"Good Thing," Leon Bridges
"Honestly," Lalah Hathaway
"H.E.R." H.E.R.
"Gumbo Unplugged (Live)," PJ Morton

Mejor álbum de country

"Unapologetically," Kelsea Ballerini
"Port Saint Joe," Brothers Osborne
"Girl Going Nowhere," Ashley McBryde
"Golden Hour," Kacey Musgraves
"Volume 2," Chris Stapleton

Álbum del año

"Invasion of Privacy," Cardi B
"By the Way, I Forgive You," Brandi Carlile
"Scorpion," Drake
"H.E.R.," H.E.R.
"Beerbongs & Bentleys," Post Malone
"Dirty Computer," Janelle Monae
"Golden Hour," Kacey Musgraves
"Black Panther: The Album," Featuring Kendrick Lamar

Grabación del año

"I Like It," Cardi B, Bad Bunny & J Balvin
"The Joke," Brandi Carlile
"This is America," Childish Gambino
"God's Plan," Drake
"Shallow," Lady Gaga and Bradley Cooper
"All The Stars," Kendrick Lamar and SZA
"Rockstar," Post Malone feat. 21 Savage
"The Middle," Zedd, Maren Morris and Grey

Canción del año

"All The Stars," Kendrick Duckworth, Mark Spears, Al Shuckburgh, Anthony Tiffith and Solana Rowe
"Boo'd Up," Larrance Dopson, Joelle James, Ella Mai, and Dijon McFarlane
"God's Plan," Aubrey Graham, Daveon Jackson, Brock Korsan, Ron Latour, Matthew Samuels and Noah Shebib.
"In My Blood," Teddy Geiger, Scott Harris, Shawn Mendes and Geoffrey Warburton
"The Joke," Brandi Carlile, Dave Cobb, Phil Hanseroth and Tim Hanseroth
"The Middle," Sarah Aarons, Jordan K. Johnson, Stefan Johnson, Marcus Lomax, Kyle Trewartha, Michael Trewartha and Anton Zaslavski
"Shallow," Lady Gaga, Mark Ronson, Anthony Rossomando and Andrew Wyatt
"This Is America," Donald Glover and Ludwig Göransson

Mejor nuevo artista

Chloe X Halle
Luke Combs
Greta Van Fleet
H.E.R.
Dua Lipa
Margo Price
Bebe Rexha
Jorja Smith

La entrega 61ª de los Grammy la podrás disfrutar este próximo 10 de febrero 2019.

miércoles, 28 de noviembre de 2018

Checa un fragmento de la primera película filmada en 16K

Echamos un vistazo al cortometraje 'Prairie Wind' y vimos cómo  Martin Lisius pudo crear el primer flujo de trabajo para cine en 16K


Si pensabas que el cine 8K era genial, checa esto. El experimentado videógrafo Martin Lisius acaba de lanzar lo que quizás es el primer cortometraje realizado en 16K.

El cortometraje "Prairie Wind" dura solo 4 minutos (nota: por ahora, solo se puede ver a un máximo de 8 K con el hardware adecuado y la velocidad de internet). Además en esta pequeña muestra vemos cómo Lisius pudo crear su configuración personalizada para grabar secuencias de video de 16K mientras viajaba por las Grandes Llanuras en busca de imágenes y las tormentas eléctricas más raras y poderosas.


"He capturado huracanes, tornados y relámpagos en película cinematográfica Super 35mm, 4K e incluso en 3D. Quería probar algo diferente, algo más envolvente. Sabía que podía construir un sistema de cámara de 16K, simplemente no sabía qué tan buenos serían los resultados hasta que lo probé ".


Tarda cierto tiempo la persecución de la tormenta. Lo sabrán si también han visto Twister (1996) las suficientes veces para saberlo. También se necesita cierto tipo de locura para intentar obtener una resolución cuya visibilidad no sea técnicamente posible para la mayoría de la tecnología.

Detrás del flujo de trabajo de video de 16K


La configuración de Lisius es en realidad un invento bastante ingenioso. Al usar dos cámaras fotográficas Canon de alta resolución y un montaje de diseño personalizado (en la imagen de arriba), Lisius pudo crear una configuración de doble sensor donde ambas cámaras podrían unirse para crear una imagen 16K sin costura (15,985 x 5792 píxeles).

A partir de ahí, tomaría las aproximadamente 700 imágenes (que dan aproximadamente 23 segundos de duración) y las renderizaría como clips de video de 16K. Y si bien una audiencia podría no ver su producto final durante algún tiempo, los resultados tuvieron que bajar de categoría a 8K y aún así son bastante impresionantes.

Para obtener más información sobre Martin Lisius y "Prairie Wind", pueden consultar su página de Vimeo y su compañía de producción Prairie Pictures, abajo les dejamos el clip de video para que lo vean.





Prairie Wind | 16K HDR Film from Martin Lisius on Vimeo.

jueves, 22 de noviembre de 2018

5 películas para conocer el cine de Ingmar Bergman

Ingmar Bergman fue un guionista y director de teatro y cine de origen sueco, es considerado uno de los directores de cine clave de la segunda mitad del siglo XX, es para muchos el más importante productor de la cinematografía mundial. 


Su cine destaca por el gran sentido plástico, casi pictórico, y el aprovechamiento de las posibilidades del blanco y negro. Sus películas giran en torno a una serie de temáticas constantes: la muerte, el amor y la religión, marcadas por las preocupaciones existencialistas del autor, y abordadas con un tono metafísico y unos diálogos intensos. 



5. Gritos y Susurros (1972)

Su estreno constituyó uno de sus mayores éxitos de crítica y público en Europa, y es el filme de madurez mas celebrado de su director en dicho país junto a “Sonata de otoño” (1978) y “Fanny y Alexander” (1982). Feroz diatriba sobre la muerte y la incomunicación, sobre el valor de la vida y las convenciones sociales siempre castradoras, es uno de esos filmes mas difíciles de olvidar. La trama de la película gira en torno a los últimos días de vida de Agnes, una enferma de cáncer, que está siendo cuidada por sus hermanas Karin y María y la sirvienta Anna.

Bergman hace uso del color, rojo y blanco sobre todo, como medio de expresar los sentimientos que invaden a las protagonistas; brillante empleo del tiempo, en el que se mezclan sabiamente presente y pasado; es una de esas pocas, pero interesantísimas películas, en las que los silencios, grandes y terribles, significan mucho más que las conversaciones, cortas y frías. 

De todas las películas del sueco Ingmar Bergman, quizás “Gritos y susurros” sea la mas impactante, por su tema de dura humanidad, por su planteamiento formal. Es una película cruel y sublime. El cruce de las imágenes es muy característico de Bergman: luces y sombras se alternan para crear una iluminación indirecta, como en los días nevados.

El tema de la película pudiera ser banal si no estuviese planteado con la complejidad psicológica del autor sueco. Un sueño, una esperanza, el temor ante la muerte de Agnes, sufrido por todas y padecido por la hermana en trance de morir, se expresan en cuadros de rojo diverso, yuxtapuestos con el juego de la memoria de los protagonistas: Esa memoria que son las grietas del olvido, dan pasó al remordimiento. Bergman dijo, quizás en broma, que el interior del alma es una membrana húmeda de matices rojos La película obtuvo el Premio Oscar a la mejor fotografía.




4. El Silencio (1963)

Con este filme, Bergman cierra su trilogía sobre Dios e introduce algunos elementos simbólicos clave en la filmografía posterior del director, por lo que podemos decir que clausura un ciclo de su cine abriendo otro.

Fue una de sus obras más aplaudidas y mas crípticas, con la magnífica pareja: Ingrid Thulin y Gunnel Lindblom. El filme cuenta la historia de Esther y Anna son dos hermanas que viajan de vuelta a Suecia con Johan, el hijo de Anna. En su trayecto, el tren parará en un extraño lugar de ignoto idioma, alojándose el terceto en un solitario hotel.

Bergman muestra en “El Silencio” cómo es el mundo cuando el silencio de Dios, sentido tan intensamente en su obra de los años cincuenta y sesenta, no se compensa con el amor, cuando entre los hombres no se establece ninguna conexión por medio del amor. Ninguna otra película de Bergman ha escandalizado tanto como ésta.

En muchos lugares estuvo prohibida y en otros (incluso en Suecia misma) se exhibió con escenas censuradas. Este escándalo llevó al gran éxito de taquilla a una película que, normalmente, sólo unos pocos hubieran apreciado, por su intensidad, concentración y dureza. Tan radical como los cuestionamientos de la película son los medios estilísticos utilizados por Bergman.

Con su habitual composición fílmica, cuya intrincada puesta en escena se encuentra en plena conexión con su compleja perspectiva de la naturaleza existencial, espiritual y metafísica del ser, sea en contacto con sus semejantes o con la figura probable de un silencioso creador, Bergman ahonda en la falta de comunicación humana, el deseo de la misma, la alienación personal, la soledad y la ausencia de un nexo religioso, junto a agonías y desenfrenos de cariz sexual, bases de esta pesimista película, aposentada en la confrontación psicológica de dos hermanas muy diferentes.

“El Silencio” es una película en la cual la creación bergmaniana de una forma visual libre alcanza un insólito y altísimo nivel.



3. Fresas Salvajes (1957)

Con una escena que ha pasado a la historia del cine, memorables interpretaciones, flashbacks no exentos de fascinación y la presencia de Ingrid Thulin y del director de cine sueco, Victor Sjöström (El viento) como actor protagonista. Bergman se interna ya en la meditación sobre la madurez, el sentido de la experiencia y de la vida, la filosofía de la vejez, el tiempo como (propia) incomunicación con uno mismo, y por supuesto las relaciones paterno-filiales.

La historia relata el viaje del anciano profesor Isak Borg desde Estocolmo a Lund en compañía de su nuera y tres jóvenes, y durante el cual reflexiona sobre la vida, la muerte y la existencia humana. Su título en sueco, “Smultronstället”, esconde una clave interpretativa que pasa desapercibida para el público no escandinavo: en Suecia suele decirse que “toda familia tiene un pequeño rincón de frutillas silvestres” en el sentido de que tiene un secreto oculto.

Los temas básicos de este agridulce drama psicológico, con ligeros momentos de humor en la interacción entre el médico y su ama de llaves, son la vejez, el aislamiento y el trayecto existencial, la muerte, el amor, la vida, la redención, y los conflictos vitales que conforman nuestro presente.

Ingmar Bergman tuvo la idea para la película cuando se detuvo en su ciudad natal, Upsala, durante un viaje de Estocolmo a Dalarna. Al llegar a casa de su abuela se imaginó si podría abrir la puerta y encontrar en el interior todo como estaba durante su infancia. El filme está considerado como una de las cintas más emocionales y optimistas del director sueco, tanto que el Vaticano la seleccionó como una de las cuarenta y cinco mejores películas de la historia del cine.

Además  a través de los años, la reputación de la película ha ido en aumento. En una encuesta de 2002 realizada por Sight & Sound, los directores Ken Loach y Jaco Van Dormael la situaron en su top 10 de los mejores largometrajes. Por su parte, en una entrevista en 1963, el cineasta Stanley Kubrick mencionó que “Smultronstället” era su segunda película favorita, mientras que Federico Fellini alegó en otra entrevista, ese mismo año, que era la única película de Bergman que había visto y que le fue suficiente para entender lo gran artista que era. La cinta sirvió como influencia para “Otra mujer” y “Deconstructing Harry” de Woody Allen. Por su parte, Steven Jay Schneider, la incluyó en su libro de las “1001 películas que hay que ver antes de morir”.


2. Persona (1966)

Es considerado uno de los filmes más enigmáticos del autor, pero también reconocido como uno en el que Bergman puso especial cuidado en toda su realización y con el que logró importantes innovaciones estilísticas.

Además, supuso el inicio de su colaboración con Liv Ullmann y la ruptura del sueco con el clasicismo cinematográfico (en su versión personal y muy elaborada ya). Innovadora y experimental, la crítica se rindió con esta historia de superación de la joven protagonista que pierde la voz en el teatro. Un drama de tinte psicoanalítico y con una estructura desafiante para el espectador.

La película narra la historia de una actriz que perdió la voz y que debe aislarse en la costa -por recomendación de su psiquiatra- bajo el cuidado de una enfermera. La intimidad que se genera entre ambas, las lleva a experimentar una agobiante tensión psíquica, a la vez que se tocan temas como la maternidad-aborto y el sexo.

El título del filme hace referencia a las máscaras de teatro que se utilizaban en la antigüedad clásica, y es que el tema de la “mascarada social” resulta fundamental en la película que ahora nos ocupa, un tema que el propio Bergman ya había tratado bajo planteamientos estéticos completamente distintos en “El rostro” (1958).

En principio el filme iba a ser titulado “cinematografía” lo que nos habla claramente de las intenciones de Bergman de crear una obra basada en la ilusión y el artificio.

“Persona” es más que una auténtica obra maestra. Es además uno de los filmes más bellos, inquietantes, personales y fascinantes del séptimo arte. Llegó en una década en que las grandes figuras del cine de autor se decantaron en proyectos muy personales con el arte como eje común: “Ocho y medio” de Fellini, “Andrei Rublev” de Tarkovski son los mejores ejemplos. En “Persona”, pareciera que no es Bergman quién nos habla, sino el cine mismo cuestionándose su existencia, naturaleza y razón de ser. Y al mismo tiempo, nos recuerda porqué es que estamos sentados frente a la pantalla, dejándonos extasiados.


1. El Séptimo Sello (1957)

Obra maestra absoluta según la crítica y el público casi desde su estreno y éxito internacional destacado. Supone la aparición e interpretación de sus queridos Max von Sydow y Bibi Andersson.

La película narra la historia de un caballero que regresa a su tierra después de participar en la guerra, pero un misterioso ser encapuchado (la muerte) le dice que sus días han acabado. Ambos se enfrentarán en un desafío de ajedrez, del cual pende la existencia del hombre.

El propio Bergman consideró esta película como el inicio de su estilo más personal, dejando atrás una etapa algo más “imitativa” y de aprendizaje. El título de esta obra moral de Ingmar Bergman (extraído de su propia obra teatral “Pintura en madera”), fue tomado del libro del Apocalipsis de San Juan. “Pintura en madera” fue una obra dramática que escribió para trabajar con sus alumnos de interpretación.

El argumento transcurre en dos planos, el real y el alegórico. Todas las escenas, a excepción de dos, fueron filmadas dentro y en los alrededores de los estudios Filmstaden en Solna y en alguna ocasión es posible vislumbrar apenas en los filos de los fotogramas alguna casa de la ciudad.

Las dos escenas que no fueron filmadas en los estudios; la escena inicial con el caballero y la Muerte jugando ajedrez en la playa y la escena final con la Danza Macabra, fueron filmadas en la reserva natural Hovs Hallar, una rocosa y precipitada playa en el área noreste de Escania. La cinta fue realizada con un muy bajo presupuesto y en 35 días de rodaje, y en ella el director intenta plasmar aspectos complejos de la práctica religiosa y la persecución, basados en sus propias cavilaciones y dudas sobre la existencia de Dios.

Si bien “El séptimo sello” triunfó por la originalidad de su argumento, era, en realidad, la muestra de madurez de un estilo edificado a lo largo de once años. La película es considerada un gran clásico del cine universal. Ayudó a Bergman a establecerse como un director de renombre; además, contiene escenas que se han convertido en ícono debido a que han sido parodiadas u homenajeadas a lo largo del tiempo.

viernes, 9 de noviembre de 2018

Venom la puedes disfrutar sin problemas!

Venom se quita la imagen ridícula de Spider-Man 3 y se disfruta con problemas


Me parece que tomaré la actitud de Tom Hardy en esta fotografía para defender abiertamente un placer culpable como “VENOM “. 

Aún con sus libertades y varias situaciones intermitentes en su ritmo y tono, la película se puede disfrutar sin problemas. Quizá juegue a favor mi gusto por Spidey y me haya convencido esta cinta por ello, pero no se puede negar que “VENOM “ quita esa imagen tan ridícula del personaje en “Spider-Man 3” (con un patético Topher Grace). 




Tom Hardy se juega el todo por el todo en momentos clave entre ser simbiote temible - una dualidad espeluznante - y un personaje con el que sintamos empatía. 

Hardy muestra su registro actoral ideal para este personaje de cómic y lo disfruta, sin tomárselo tan en serio, sin una exigencia demandante pero con suficiente compromiso para no maltratarlo en este primer filme sobre el archienemigo de Spidey. “VENOM “ no es mala como se lee en redes sociales. 

Tiene su interés y cosas atractivas, quizá no es un filme que defina al personaje de manera definitiva pero sí que es un acercamiento a ello. Mi crítica completa en LACÁRT!!!!.....No se pierdan las escenas post créditos. Lo valen para todo fan arácnido 🕷!!!!

Por: Poncho Aranda

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